La rivoluzione artistica: l’espressionismo

2.3 La rivoluzione artistica: l’espressionismo

Sempre nel 1905 si costituisce a Dresda il gruppo Die Brücke (Il ponte). È formato da Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff. Il più vecchio ha venticinque anni, il più giovane deve compierne ventidue. La maggior parte vengono da studi di architettura alla Technische Hochshule di Dresda, che abbandonano per dedicarsi alla ricerca artistica.

L’arte di Kirchner e compagni, gravata da un’intensa carica espressiva introduce temi quale l’irrazionale, l’informe, il sentimento, la temporalità, l’individualità, l’organico. Tramuta il quadro in una proiezione dell’io in colori e in pure forme spigolose e disturbanti.

L’espressionismo esercita un notevole influsso sulla ricerca architettonica. Trova un terreno fertile nelle architetture romantiche di Berlage, Gaudí, Mackintosh e, se vogliamo, di Sullivan e Wright. A poetiche espressioniste si rifanno senza dubbio maestri particolarmente attivi nei primi anni del secolo: Hans Poelzig, Max Berg, l’ultimo Olbrich e in parte Peter Behrens. Sono espressioniste figure quali i fratelli Bruno e Max Taut, Hugo Häring, Erich Mendelsohn, Otto Bartning, che cominciano a operare nell’anteguerra, ma sviluppano le loro poetiche a partire dal dopoguerra. Nel clima espressionista si formano Walter Gropius, Mies van der Rohe e altri maestri: alcuni dei quali andranno nel dopoguerra a confluire nella Bauhaus che, almeno per un certo periodo di tempo, anche grazie all’insegnamento di Johannes Itten, ne risentirà fortemente lo spirito.

Kirchner e compagni sono imbevuti di architettura. Intuiscono che l’espressionismo è l’arte per eccellenza di una condizione metropolitana che investe la civiltà occidentale e ha il suo epicentro a Berlino. Afferma Max Weber, uno dei più acuti teorici della condizione metropolitana: “Io credo che sia impossibile pensare che alcuni valori formali della pittura moderna si siano potuti produrre senza l’assoluta e distinta impressione causata dalla moderna metropoli, un fenomeno sinora mai manifestatosi nell’intero corso della storia […] e caratterizzato soprattutto da uno stadio in cui […] la pura tecnologia ha un enorme significato per la cultura artistica.”

Panorami metropolitani o, per opposizione, sofferti paesaggi naturali sono lo sfondo della gran parte dei capolavori degli artisti di Die Brücke. Kirchner subordina le architetture agli abitanti, pietrifica le figure rendendole quasi inanimate e dà vita agli sfondi. Altri artisti espressionisti, quali il viennese Egon Schiele, dipingono scenari di città dense e al contempo morte. George Grosz mette in scena una guerra dichiarata tra corpo e spazio. Se il futurismo sarà la rappresentazione della città nel movimento esteriore, l’espressionismo lo è del movimento interiore. Non mancheranno punti di contatto: scenari espressionistico-futuristi sono delineati nel lavoro di Sant’Elia e a scenari altrettanto violenti e imponenti ricorrono i film che vogliono rendere o denunciare la condizione urbana, sino al celeberrimo Metropolis di Fritz Lang del 1926.

In questo senso la ricerca dei pittori, degli artisti e dei visionari, forse ancora più che l’acerbo espressionismo dei primi architetti professionisti, costituisce un’inesauribile fonte di idee e riflessioni architettoniche, perché imposta in termini radicalmente nuovi il confronto tra uomo e spazio. Liquida la bella edilizia, la ricerca di estenuati effetti ornamentali, di colte citazioni stilistiche e centra, sviluppandolo nei suoi aspetti esemplari, un tema architettonico particolarmente attuale: il rapporto tra il soggetto umano, con le sue aspirazioni, nevrosi, istanze liberatorie, e l’oggetto urbano che, con la sua violenza e differente energia, ne rappresenta il limite, la camicia di forza.

Ecco allora che l’architettura si flette, tenta di seguire con le sue forme il movimento degli uomini. Oppure apre un rinnovato dialogo con la natura, mettendo in gioco dimensioni organiche represse dalla condizione urbana. O, ancora, cerca di smaterializzarsi, diventando vetro trasparente, cristallo puro. Affermerà Paul Scheerbart, nel suo libro Glasarchitektur, pubblicato nel 1914, un testo che molto influenzerà il pensiero e la produzione di Bruno Taut: “Viviamo la maggior parte del nostro tempo rinchiusi in spazi chiusi. Questi formano la massima parte del milieu nel quale la nostra cultura si sviluppa. Se noi vogliamo che quest’ultima si innalzi a un livello superiore, allora noi siamo obbligati, bene o male, a trasformare la nostra architettura”.

2.4 La rivoluzione artistica: il cubismo

A caratterizzarte questi anni è il cosmopolitismo. Vienna, Monaco e Berlino, a seguito degli esiti delle secessioni, sono luoghi di dibattito, creazione, polemiche appassionate. A Mosca Michel Larionov e Natalja Goncˇarova preparano i rivolgimenti che sarebbero maturati a partire dal 1909. Ma là dove il Ventesimo secolo accade – per usare un’espressione dell’americana Gertrude Stein – è a Parigi.

Uno dei luoghi d’incontro è proprio il salotto di Gertrude Stein al 27 di rue de Fleurus, frequentato da Matisse e Picasso e altri protagonisti dell’avanguardia.

Tra il 1905 e il 1906 Matisse realizza il suo capolavoro: La joie de vivre, un’opera su cui tornerà con variazioni, una delle quali è il celeberrimo La danse del 1910. È un quadro leggero, costruito sulla fluidità delle linee e con ampie campiture di colore. Pura musicalità. Nel 1906 Picasso gli risponde realizzando il famoso ritratto di Gertrude, un quadro pesante, plasticamente forte, giocato su pochi toni. Nel 1907 licenzia Les demoiselles d’Avignon. Le maschere delle sculture africane si ritrovano nei volti di tre delle cinque figure. Il quadro è d’inaudita violenza. Ciò che conta non è il soggetto, ma l’operazione di destrutturazione dello spazio, concepito per piani antagonisti e concomitanti. Un esorcismo contro le figure invisibili che si agitano dentro di noi. Un tentativo di fissare con una forma l’informe, esattamente come facevano i primitivi. Uno spazio nuovo, in cui l’osservatore non è localizzato in un punto preciso, come nella prospettiva rinascimentale, ma in cui numerosi punti di vista s’incontrano e si scontrano, quasi come un’immagine lavorata all’interno dei nostri pensieri. Nasce il cubismo. Insieme al futurismo, sarà il primo movimento d’avanguardia su scala internazionale. Ne sono influenzati russi, americani, inglesi, tedeschi, italiani. Passano per un apprendistato cubista Casimir Malevicˇ, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Piet Mondrian, Theo van Doesburg. Alle tecniche di scomposizione spaziale cubista si rifaranno non pochi architetti, olandesi in testa. Vi sono poi gli scritti cubisti. Li sperimenta, con esiti controversi, Gertrude Stein, anche sotto forma di ritratti: di suoni e di parole. Annunciano i capolavori di James Joyce, estraneo a ogni tendenza, ma la cui opera difficilmente sarebbe potuta nascere al di fuori di questo fervido clima sperimentale.

La fortuna del cubismo, come accade molto spesso ai movimenti artistici, non è però dovuta a un programma preciso, quanto a un orizzonte che dischiude. Picasso e Braque, l’altro importante esponente del movimento, rifiuteranno di dare qualsiasi spiegazione scientificamente esauriente del loro operato. E poco convincenti saranno le spiegazioni date da altri, fondate sulla quarta dimensione o su principi esatti di scomposizione formale. Insomma: visto in luce strettamente teorica, il movimento non può che lasciare perplessi. Diverso è il giudizio se invece si guarda al movimento da un punto di vista meno categorizzante; si sottolineano i continui scambi con l’espressionismo, con il rivale movimento del futurismo, l’astrattismo e poi con dada; si evidenzia il valore liberatorio di un approccio che scompone la forma per ricomporla sia pure arbitrariamente in funzione di punti di vista dislocati, anche temporalmente. Senza la lente cubista non si può comprendere l’arte e l’architettura del nuovo secolo.

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